Chi chón Él, payaso

Al bulto que se produce en la cabeza debido a un golpe, se le conoce como Chichón, y es así como Silvio Vargas Céspedes, ejecutante, director y autor de la propuesta escénica, titula como “Chi chón Él, payaso” al espectáculo creado por la compañía Ñame ñame Teatro, donde vemos a un personaje característico de la representatividad del payaso, donde personifica a ese personaje que conocemos con vestimenta  extravagante, maquillaje excesivo y cabello o pelucas llamativas y que asociamos con ejecuciones circenses y cuya función es hacer reír, gastar bromas, hacer piruetas y en ocasiones trucos divertido; sin embargo, también es un actor que se burla de la cotidianidad.

Chi chón Él, payaso, es un espectáculo que se presentó el sábado 2 de diciembre en el Foro La Nabe, a las 19:00 hrs., donde pudimos apreciar a un payaso de nombre Chi chón, que nos invitó a jugar con la imaginación y a sorprendernos con sus ejecuciones de equilibrio y malabarismo, donde además hizo partícipe al público invitándolos a intervenir en su acto. Así vimos la creación de su propio espacio, donde con tablas y botes, cuerdas y otros elementos nos introdujo en su ficción y por lo tanto nos hizo participes de su mundo, haciendo que todo momento soltáramos la carcajada.

El encargado de realizar todo el trabajo escénico fue Silvio Vargas Céspedes, quien interpretando al payaso Chi chón, dio muestra de su talento al trabajar con el concepto del clown, que dirige su esfuerzo en parecerse a los demás, de tratar de ser normal, pues se considera que así será aceptado y amado, motivaciones principales del clown, pero además, Silvio, ejecuta el rol del payaso, haciendo actos de equilibrio y malabares, además de tener una agilidad mental que demostró todo el tiempo al interactuar e improvisar con lo que el mismo público proponía, haciendo que su trabajo se caracterizara y destacara, sobre todo en la ejecución de la mímica y solo algunos sonidos vocales, pero sin emitir palabra entendible alguna.

Lo interesante a nivel producción, fue la creación de la escenografía a partir de la imaginación y solo usando una cuerda color roja, para delimitar su espacio y crear así una habitación, donde había ventanas y una puerta, obviamente, imaginarias. El vestuario característico del payaso, en colores rojo, blanco y negro y un maquillaje a dock con unos cabellos despeinados. El uso de elementos como un costal con partes de muñecos y muñecas, donde sacaba varios elementos, como una cuerda de saltar, cubetas, pistola de agua, y lo que utilizo para hacer sus malabares y acrobacias. Esta presentación es un claro ejemplo de que no es necesaria una gran producción para dar como resultado un trabajo de calidad y, sobre todo, atractivo para el público.

Chi chón Él, payaso, es un trabajo colectivo colombo-mexicano que explora el tiempo, el espacio y la materia a través de juegos escénicos  y que busca una verdad escénica en tiempo presente a través de la máscara, el lenguaje del mimo y la destreza del circo y como el mismo creador lo define, Silvio Vargas Céspedes, “Chichón es un hibrido social, diseño del tiempo, solo es, a cada instante está siendo; a cada cambio, el movimiento; el movimiento en el espacio; a cada espacio el ritmo; a cada ritmo el tiempo; el tiempo es verbo, el verbo es acción: la acción trae de la mano la reacción, la acción trae de la mano la reacción, motor de movimiento de este personaje, amargo, sombrío, grotesco, hábil y vulgar”.

Foro La Nabe

Dr. José María Vertiz #86, Col. Doctores, Del. Cuauhtémoc.

Sábados 19:00 hrs.

Hasta el 2 dediciembre de 2017

Dirección, autor y elenco: Silvio Vargas Céspedes

Numancia, de Miguel de Cervantes Saavedra, inicia nueva temporada en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque

* La puesta en escena cuenta con la dirección de Juan Carrillo, versión y musicalización de Ignacio García

* Cuenta con los actores del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro

* Tendrá una breve temporada hasta el próximo 17 de diciembre de 2017, con funciones de jueves a domingo

Numancia es una obra que versa sobre lo ético y lo moral. Pone la tragedia en voz de los pobres, punto en el que Miguel de Cervantes Saavedra hace que su obra sea contemporánea. Lo anterior es afirmado por Juan Carrillo, director de esta puesta en escena que fue estrenada en 2016 en el XLIV Festival Internacional Cervantino para conmemorar los 400 años de la muerte de su autor y que desde entonces forma parte del repertorio de la Compañía Nacional de Teatro.

“Este montaje complejo apuesta a la sencillez y a la sensibilidad a partir de un arduo trabajo actoral. Se propone hacer vibrar la historia para que pase más allá de los ojos del espectador, llegue al pecho y se quede en su cabeza”, comentó Carrillo respecto al montaje que inició nueva temporada desde el pasado sábado 09 de diciembre de 2017 en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque y permanecerá hasta el próximo domingo 17 de diciembre de 2017, con funciones los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas.

Basada en la obra escrita por Cervantes hacia 1585 con el título de El cerco de Numancia, la versión de Ignacio García ubica a la ciudad de Numancia, tras dieciséis años de asedio por parte de las tropas romanas, en un momento en el que sus habitantes se enfrentan a su hora decisiva con la llegada de un nuevo general de las legiones enemigas, mismo que decide ganar la guerra por asedio y construye un foso para no sacrificar más vidas.  El pueblo numantino cercado, sin víveres y en clara inferioridad numérica y bélica deberá enfrentar su destino y tomar la decisión final: elegir entre la vida y la dignidad.

El joven director, Juan Carrilllo, destaca que Numancia implicó un gran cambio en la época de Cervantes, quien abandonó las sólidas estructuras aristotélicas, desafió las prohibiciones religiosas y renunció a la intervención de las deidades como injerencia directa en la tragedia, al dejarla en manos de la razón y en voz del pueblo.

“Este texto, antecedente de la tragedia social, propone personajes que forman parte de un colectivo, lo que también se inscribe en las aportaciones de este autor que otorga altas pasiones a personajes del pueblo, cuando éstas habían pertenecido exclusivamente a la nobleza.”

La esencia cervantina es incendiaria, agrega Carrillo. “Trabajamos a partir de la necesidad que tuvo Cervantes de decir las cosas de otra manera, él tomó decisiones que no correspondían a su época en el siglo XVI, porque entonces él era contemporáneo, así que nuestra responsabilidad es encontrar nuevas formas para acercarnos a esa esencia.

“Él fue un hombre preocupado por lo que sucedía en su entorno, planteó en su obra una sociedad idealista en la que todos hablan de manera horizontal y las mujeres convencen a los hombres de no ir a la guerra, conduciéndolos a tomar una decisión en conjunto. Tenía una necesidad de mucha luz, de decir que las cosas pueden ser de otra manera y a nosotros nos compete apostar a esa sociedad idealista.”

Ante un texto de gran potencia que exige imágenes dolorosas, el director señala como uno de los retos artísticos más grandes el expresar dicha intensidad en escena.  “Enfocamos todo a un asunto metafórico, la pelea por Numancia alude a todos los pueblos, a la defensa de la tierra, porque además de ser el origen de todo, es el elemento que germina batallas.  En esta puesta en escena trabajamos una serie de metáforas al manipular la tierra de muchas maneras. En este cerco el lodo es la vida y la sangre misma, no hay una sola gota de sangre, así que me parece que logramos un juego interesante con los actores en estrecha relación con la tierra”.

Numancia cuenta con la dirección de Juan Carrillo, versión y musicalización de Ignacio García. El diseño de escenografía e iluminación corre a cargo de Jesús Hernández, el diseño de vestuario es de Jerildy Bosch, la asesoría en movimiento es de Marco Antonio Salinas. El taller de verso también es de Ignacio García, la dirección coral y composición musical es de Juan Pablo Villa, el diseño de maquillaje es de Mario Zarazúa, el diseño de peluquería es de Maricela Estrada y el diseño sonoro de Valeria Palomino.

Participan los actores del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro: Adrián Aguirre, Rodrigo Alonso, Misha Arias de la Cantolla, Marta Aura, Arturo Beristain, David Calderón León, Eduardo Candás, Miguel Cooper, Érika de la Llave, Ana Ligia García, Marco Antonio García, Axel García, Rocío Leal, Ana Paola Loaiza, Patricia Madrid, Rosenda Monteros, Óscar Narváez, Gabriela Núñez, Azalia Ortiz, Pilar Padilla, Teresa Rábago, Astrid Romo, Amanda Schmelz, Paulina Treviño, Rodrigo Vázquez, Andrés Weiss y como músicos invitados Juan Pablo Villa y Ricardo Estrada.

La temporada de esta puesta en escena será hasta el próximo 17 de diciembre de 2017 en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n, Miguel Hidalgo, Polanco Chapultepec, 11560, Ciudad de México. Duración aproximada de 120 minutos sin intermedio. Entrada general: 150 pesos. Se aplicarán descuentos habituales.

Happy de Robert Caisley se está presentando en el Teatro Milán

Alguna vez te has preguntado ¿si realmente eres feliz?, no es que “ser feliz” sea malo, sino que simplemente así como existen las emociones positivas, también hay negativas, de esas que te llevan a mandar al carajo todo por perseguir un sueño que desencadena la envidia o la libertad. A lo mejor se llevan 14 años de mentiras escondido detrás de una sonrisa, de un trabajo aburrido, de un matrimonio monótono, de una vida sin nada que ofrecer.

La obra que se está presentando en el Teatro Milán bajo la dirección de Angélica Rogel, precisamente cuestiona la felicidad o la aparte felicidad de los otros y de la de nosotros mismos.

El debate está sobre el escenario con la puesta en escena Happy, de Robert Caisley, lanza más de estos cuestionamientos a través de una historia en la que algunos deciden ser felices, a pesar de los problemas que los aquejan, mientras que otros simplemente no toleran tal emotividad y lo hacen evidente.

Happy tiene como anécdota la visita de un matrimonio, aparentemente feliz, a la casa de un amigo, quien vive con su nueva novia, Eva, de 22 años, aguda, radical y amarga, que los hace replantearse el sentido de sus vidas, ya que puede haber días malos y aún así, la felicidad, generalmente, se encuentra ahí.

Mientras tanto Alfredo es feliz con su vida. Es feliz en su trabajo. Es feliz en su matrimonio. Hasta es feliz criando a su hija con necesidades diferentes. Sin embargo, cuando su mejor amigo lo invita a conocer a su nueva pareja, las cosas se salen de control.

Happy de Robert Caisley, cuya dirección corre a cargo de Angélica Rogel y como parte del elenco se encuentran Pablo Perroni, Yuriria del Valle, Pablo Bracho, *Ana González Bello y *María Penella (*alternando), se estará presentando hasta el próximo 01 de enero 2018 los lunes a las 20:30 horas en el Teatro Milán que se encuentra en la Calle Lucerna No. 64, en la Delegación Cuauhtémoc, Colonia Juárez.

La apasionante ópera: Titus, tuvo funciones especiales en el Teatro Helénico

* A partir de Titus Andronicus de William Shakespeare

* Ópera de cámara contemporánea

Titus es una ópera de cámara en un acto que cuestiona y revitaliza el género operístico a fin de acercarlo a un público joven. Partiendo de la primera y más violenta tragedia de William Shakespeare, Titus Andronicus, la compañía Ópera Portátil busca reflejar la situación del estado fallido, dentro del cual se evidencia la absoluta pérdida de sentido en las estructuras del poder, el desencadenamiento de grotescos actos de violencia así como la destrucción total de la empatía y la dignidad del cuerpo.

Compuesta por el uruguayo Guillermo Eisner, con libreto de Carla Romero, Catalina Pereda y Didanwee Ken, Titus es una propuesta en la cual el cuerpo de los intérpretes es el eje central de la escena, construyendo un ritual de transformación que sumerge al espectador y al escucha en una experiencia musical y estética que ofrece diversas perspectivas desde las cuales puede reflexionar en torno a la violencia, la misoginia y el racismo. La propia Carla Romero es la encargada de concretar estas ideas al ser la responsable de la dirección.

La propuesta escénica otorga énfasis en la escenografía y la iluminación, que en conjunto con la ejecución musical, darán todos los claroscuros de la sangrienta tragedia, aunque parte de la propuesta es la ausencia de sangre sobre el escenario. Diversas corrientes de la música contemporánea conforman la estética sonora, la cual se enriquece con elementos del minimalismo y el expresionismo, en un contexto armónico modal para las voces y atonal para la orquestación. La dirección musical es de Rodrigo Cadet.

Éste proyecto investiga, a partir de un lenguaje multidisciplinar, otras formas de construcción discursiva: se interroga la tradición del género operístico a partir de la puesta en desafío de los cuerpos de los cantantes, del lugar de la voz, la palabra y la música. Se cuestiona el génesis de la violencia como promesa de paz, la destrucción total de la empatía y la dignidad del cuerpo. La decadencia de la sociedad se muestra por medio de la agresión en contra de las mujeres y de todo aquel que represente a la otredad.

Esta ópera es interpretada por las sopranos María Teresa Navarro (Titus), Catalina Pereda (Tamora) y Albina Goryachikh (Lavinia), los barítonos Raúl Román (Saturnino) y Vladimir Rueda (Aarón) y los tenores Mauricio Jiménez (Chirón y Demetrio), Ulises de la Cruz (Lucio) y Mario León (Bassanio y Nodriza). Titus es co-producida por el  Centro Cultural Helénico, el Instituto Nacional de Bellas Artes y la compañía Ópera Portátil. Titus se presentó la semana pasada, en el Teatro Helénico.

BH5, La Rama de Teatro y Oscar Uriel presentan: El Jardín de los Cerezos de Antón Chêjov

A partir del pasado 08 de diciembre de 2017 y hasta el próximo domingo 07 de enero de 2018, con funciones diarias exceptuando los tres primeros jueves de la temporada así como el 24 y 31 de diciembre de 2017, llega al Foro Shakespeare la puesta en escena El Jardín de los Cerezos de Antón Chêjov, cuya adaptación y dirección corren a cargo de Angélica Rogel.

Una familia aristócrata, estancada en el pasado, que a raíz de la mala administración de sus riquezas, enfrenta fuertes problemas financieros. Así, los miembros del clan reciben la noticia de que su única y más querida propiedad, en la que se encuentra un hermoso jardín de cerezos, será rematada. Ellos no tienen recursos para salvarla, pero el hijo de uno de los antiguos sirvientes de la Hacienda, quien ahora es un exitoso comerciante, les ofrece ayuda. Una ayuda que significaría la tala del jardín y el derrumbe de sus tradiciones frente a los nuevos eslabones sociales.

Antón Chêjov era un dramaturgo que escribía sobre la naturaleza humana, más allá de la época entendía el origen del proceder humano. Es por eso que sus obras se representarán por siempre, porque son un espejo que refleja algo que nos es conocido y nos aterra.

El Jardín de los Cerezos, como anécdota, trata de una familia adinerada que a lo largo de los años lo ha perdido todo. Sin embargo los miembros de esta familia viven en la negación total, esperando que un milagro los salve de perder su última posesión, esperando que la cuerda no reviente. Si vamos más allá de la anécdota central y profundizamos en la naturaleza de los personajes como el motor de la dramaturgia, nos encontraremos con un universo cercano: El miedo a lo desconocido. Los tiempos cambian y arrasan con todo lo que no se adapta a ese cambio. Cuando Chêjov escribió esta obra, la última de su vida, llegaba el cambio de siglo y con él, el final de la aristocracia rusa. Llegó un nuevo siglo y la clase media del siglo pasado va desapareciendo, está suspendida dentro de una burbuja, sosteniéndose de lo que fue, de sueños que ya no pudieron completarse. Chêjov vio la llegada de nuevos modelos y los dibujó; vio la inmovilidad de la que somos presas y la retrató en esta dolorosa comedia.

“Me cuenta usted que el público llora al contemplar mis obras dramáticas. También otras personas me lo han hecho saber. Pero yo no he escrito mis dramas con ese propósito. Todo lo que yo deseaba era decir honestamente a la gente: ‘Miraos un poco y ved hasta qué punto vuestra vida es mala y monótoma’. Es importante que la gente se dé cuenta de este hecho ya que si lo comprenden, podrían suscitar ciertamente en torno de ellos una vida mejor. No viviré lo bastante para verlo pero sé que la vida futura será muy diferente a nuestra vida actual“. Antón Chêjov

El Jardín de los Cerezos de Antón Chéjov, cuya adaptación y dirección corren a cargo de Angélica Rogel, como parte del elenco se encuentran Blanca Guerra, Concepción Márquez, Adriana Llabrés, Ana Beatriz Martínez, Carlos Aragón, Alejandro Morales, Nacho Tahhan, se estará presentando hasta el próximo domingo 07 de enero de 2018, con funciones diarias exceptuando los tres primeros jueves de la temporada así como el 24 y 31 de diciembre de 2017, de lunes a sábado a las 20:30 horas y domingos 18:00 horas en el Foro Shakespeare que se encuentra ubicado en la Calle de Zamora No. 07 en la Colonia Condesa cerca de la estación Chapultepec de la línea 1 del metro.

El Hombre de La Mancha inició una nueva etapa en el Teatro San Rafael

* El Teatro San Rafael es el nuevo hogar para el montaje ganador del premio la Luna al mejor musical del año; que arrancó su corta temporada de despedida de la capital

 La madrina del reestreno musical El Hombre de La Mancha fue la cantante peruana Tania Libertad

Luego de que El Hombre de La Mancha se presentó con gran éxito en el teatro Insurgentes, en donde Benny Ibarra interpretó magistralmente al Quijote, ahora empieza una nueva temporada de despedida de esta magistral obra en el Teatro San Rafael. Como el púbico sabe, esta puesta musical se colocó como el suceso teatral del año, gracias a que contó con el talento y la experiencia de su productor Morris Gilbert y el respaldo de Tina Galindo.

Cuando el pasado 20 de agosto cerró su temporada en el Teatro de los Insurgentes, luego de 380 brillantísimas funciones (una veintena de ellas en gira por distintas ciudades del país) se anticipó que El Hombre de La Mancha no había muerto, que estaría de descanso y en breve volvería a los escenarios capitalinos.

Y como bien sabemos que no hay plazo que no se cumpla, el momento llegó y ayer se reestrenó oficialmente El Hombre de La Mancha, en el gran escenario del Teatro San Rafael, que convertido en La Mancha recibe al musical más ovacionado y premiado del año, con reconocimientos como la Luna del Auditorio Nacional como Mejor Musical Teatral, y  el premio Bravo, también como musical del año.

Como el público bien lo sabe, El Hombre de La Mancha se colocó como el suceso teatral del año, gracias a que contó y seguirá contando con el talento, la visión y la experiencia del productor Morris Gilbert, y el respaldo de Tina Galindo, Claudio Carrera y OCESA, quienes han formado un equipo de primera para levantar un proyecto que ha sido calificado por el público y la prensa como perfecto.

En esta ocasión, el elenco se revitaliza con la inclusión a partir del próximo jueves de Ernesto D’Alessio en el rol central, quien viene a sumarse como actor invitado al trabajo que desde la temporada pasada realizaron Gabriel Navarro y Alberto Lomnitz, El personaje de Aldonza volverá a ser protagonizado por Guadalupe Lancho, quien tendrá como suplente a Marta Fernanda. A ellas se une Kika Edgar como actriz invitada en este importantísimo rol. Como Sancho Panza está Enrique Chi, y como invitado en algunas funciones estará Carlos Corona.

Como bien se ha dicho desde su estreno, en septiembre del año pasado, esta propuesta de El Hombre de La Mancha da nueva vida al clásico de Broadway, que recientemente celebró medio siglo, que coincidió con los festejos en todo el mundo por el IV centenario de muerte de don Miguel de Cervantes Saavedra, autor de la novela más grande de la literatura hispana, y que es la base de este conmovedor musical, que cuenta con el libreto de Dale Wasserman, la música de Mitch Leigh y las letras de Joe Darion, basado en la obra de texto para la televisión Yo, Don Quijote, también de Wasserman.

La magia del arte escénico y la imaginación inagotable del público, convirtieron al Teatro de los Insurgentes, como sucede ahora con el Teatro San Rafael, en la cárcel en la que sucede la acción de esta historia, ubicada en la España del siglo XVI, gracias a que cada uno de los artistas que conforman nuestro equipo creativo realizó un largo trabajo de investigación, planeación, diseño y ejecución. Cerca de 200 personas trabajaron para construir este mundo cervantino, bajo la dirección escénica de Mauricio García Lozano.

El diseño escenográfico es de Jorge Ballina, sin duda uno de los mexicanos más destacados en este rubro, quien con su inigualable talento ha creado un espacio que si bien se inspira en la cárcel Real de Sevilla, donde Cervantes fue recluido por la Inquisición a finales del siglo XVI, busca reproducir al mismo tiempo los “corrales” españoles, que eran los teatros donde se representaban las obras de teatro del Siglo de oro.

El vestuario es otro gran elemento para crear el ambiente que requiere esta puesta en escena. La responsable de esta área es Violeta Rojas, quien tuvo como referencias para la creación de sus diseños, la pintura de grandes maestros de la época como Francisco de Goya y Lucientes, Murillo, El Greco y Jose de Ribera.

El cuidado y el detalle de escenografía, vestuario y maquillaje resaltan gracias a la iluminación diseñada por Víctor Zapatero, en la que prevalece una amplia gama de tonos sepias, que busca dar una sensación de tiempos remotos, mediante el manejo de luz cálida y de aspecto natural.

El Hombre de La Mancha cuya dramaturgia es de Dale Wasserman, basado en la obra de Miguel de Cervantes Saavedra, Don Quijote de la Mancha, bajo la dirección de Mauricio García Lozano y como parte del elenco se encuentran como Don Quijote; Gabriel Navarro, Alberto Lomnitz y como invitado especial se encuentra Ernesto D’Alessio, como Aldonza; se encuentran alternando Guadalupe Lancho, Marta Fernanda, y como invitada especial Kika Edgar, de Sancho; se encuentra Enrique Chi y como invitado especial Carlos Corona, también se encuentran Beto Torres, Marta Fernanda, Paola Mingüer,  Denise de Ramery, Constantino Echeverría, Javier Oliván, Andrés Elvira, Alberto Lomnitz, Héctor Berzunza, Diego Garza, y Mario Heras.

El Hombre de La Mancha se estará presentando en el Teatro San Rafael, que se encuentra en la Calle Virginia Fábregas No. 36, en la Colonia San Rafael. Las funciones son los jueves a las 20:30 horas, viernes a las 18:30 y 21:30, sábados a las 17:00 y 20:00 horas y domingos a las 13:30 y 18:00 horas.

Zapato busca sapato se va de gira

“Siempre hay un zapato roto para un pie podrido”. Tal como lo enuncia el conocido refrán, esta puesta en escena nos dice que aun cuando podamos sentirnos solos, a cada quien le corresponde otro similar. Al mismo tiempo, Zapato busca sapato también nos habla, desde su peculiar título bilingüe, acerca de la diversidad cultural en el origen triple de este proyecto: México, Brasil y Mozambique.

En esta obra se narran las aventuras de una chutera mexicana que no tiene par. Un día llega a una zapatería donde conoce a un negrito poeta y al zapatero, quienes le presentan una amplia gama de calzado; pantunflas, zapatillas, botas, pero ninguno de ellos resulta ser su complemento. Es así que decide embarcarse en una búsqueda que lo llevará a navegar por el Océano Atlántico con rumbo fijo hacia el sur, llegando hasta el exótico Brasil. En el camino conocerá a diferentes animales que se ven atraídos por la peculiaridad de ver a un zapato solitario viajando en alta mar. Sin embargo, en aquel país sudamericano no cesará su búsqueda. Lejos de terminar, el viaje lo llevará hasta Mozambique en la costa oriental de África, donde encontrará un propósito y la llegada de su complemento especial del modo menos esperado.

Este proyecto, dirigido por Clarissa Malheiros, lleva a la escena un texto escrito por la propia Clarissa en colaboración con Juliana Faesler y con la participación de Paulo Merisio de Brasil y Rogério Manjate de Mozambique. Juntos traen un proyecto donde el texto, cargado de poéticas metáforas y simbolismos, junto con el trabajo artístico-visual de la escena y la música original de Eduardo Tulio y Malheiros, rescata conceptos como la individualidad, la diversidad, los orígenes y el diálogo intercultural en un lenguaje puesto al alcance de los más pequeños. Con la misma intención de propiciar un diálogo al rededor de la obra, la cuarta pared queda disuelta en algunos momentos haciendo partícipes principalmente a los niños asistentes, quienes pueden compartir sus experiencias de acuerdo con la temática en escena. 

El trabajo actoral queda en manos de Tzotli Abril de Dios, Andrés Tena, Esteban Caicedo y Paulina Álvarez, quienes van cambiando de un personaje a otro a lo largo de toda la función. Del mismo modo, los cuatro actores se encargan de mover los practicables y la utilería, que trasladan al público de un espacio a otro.

Las soluciones artísticas de esta obra diluyen los límites del vestuario y la utilería al emplear marionetas y puppets como el recurso escénico más ingenioso. Los actores se encargan de dar voz a los personajes que van desde personas, hasta zapatos, sandalias y algunos animales entre los que se enlistan un pez, un pelícano, un cangrejo y una cucaracha. Al mismo tiempo participan en la recreación de elementos escenográficos como el sol y las olas del mar.

El trabajo integral de esta compañía da como resultado una puesta en escena hecha especialmente para niños que disfrutará toda la familia, todo gracias al esfuerzo estético del texto y sobre todo de los cuadros visuales que escena tras escena revelan un meticuloso trabajo casi artesanal. Zapato busca sapato se presenta sábados y domingos a las 12:30 horas en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque hasta el 3 de diciembre. Posteriormente saldrá en una gira por el interior de la república con el siguiente calendario:

GIRA DENTRO DEL PROGRAMA IMSS CULTURAL TEATRO
Zapato Busca Sapato
Fecha: Diciembre 2017

GIRA DENTRO DEL PROGRAMA IMSS CULTURAL TEATRO
Zapato Busca Sapato
Fecha: Diciembre 2017
Fecha Ciudad Recinto
Dic 7 — Toluca Teatro Toluca “Sor Juana I. de la Cruz”
Dic 8 — Morelia Teatro Morelia “Stela Inda”
Dic 10– Aguascalientes Teatro Aguascalientes
Dic 11– Zacatecas Teatro Zacatecas
Dic 12– León Teatro “Ignacio García Reyes”
Dic 13– Querétaro Teatro Querétaro
Dic 16– Culiacán Teatro “Óscar Liera”
Dic 19– Guadalajara Teatro Guadalajara
Dic 20– Ciudad Ju”árez Teatro Juárez
Dic 21– Tijuana Teatro Tijuana

Horarios: Todas las funciones son a las 19:00 hrs.

Dramaturgia: Clarissa Malheiros y Juliana Faesler con la colaboración de Rogério Manjate Dirección: Clarissa Malheiros Elenco: Tzotli Abril de Dios, Andrés Tena, Esteban Caicedo y Paulina Álvarez.

El Centro Cultural Helénico presenta una visión contemporánea del clásico: Casa de Muñecas

*  A 138 años de su estreno, la obra sigue siendo desafiante, reveladora de la condición humana y de la condición femenina

* De Henrik Ibsen, dirección: Mauricio Jiménez

La Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico, Teatro en fuga AC y Hogares Unión presentan: Casa de muñecas, dirigida por el destacado creador escénico, Mauricio Jiménez, con un elenco de primer orden: Moisés Arizmendi, Andrea Salmerón, Erando González, Olga González y Francisco Mena, con la escenografía e iluminación de Gabriel Pascal y el vestuario de Teresa Alvarado.

Casa de muñecas ha causado polémica desde su estreno en 1879. Se considera uno de los más grandes clásicos del teatro universal. Se ha traducido y representado en casi todos los idiomas del mundo, es una obra icónica que ha marcado a generaciones enteras de mujeres que han luchado por la equidad. Resulta lastimoso constatar su vigencia en pleno siglo XXI, cuando pareciera que la lucha por la dignidad y la libertad femenina se ha ganado.

Nora, la protagonista de Casa de muñecas, ha sido todo lo que se espera de ella: buena hija con su padre, esposa encantadora y complaciente con Torvaldo, así como una madre amorosa de tres hijos. Torvaldo la protege y consiente como a una niña pequeña y caprichosa incapaz de valerse por sí misma. Encuentra placentero en darle dinero y elegir por todo, hasta sus atuendos. Es incapaz de ver a Nora como una persona adulta. Ella, por su parte, juega el papel de muñeca-esposa: bella, juguetona, un tanto boba. Encerrada en su casa con sus hijos, cumple sus deberes de esposa y madre, ¿y sus deberes para consigo misma?

Nora, se dispone a celebrar la Navidad con alegría ante el reciente nombramiento de su esposo Torvaldo como director del banco. Pero ella guarda un secreto que amenaza con salir a la luz, poniendo en riesgo la carrera y reputación de su marido y acarreando la desgracia para su familia.

La violencia cotidiana y normalizada en la relación entre Nora y Torvaldo podría pasar desapercibida: no hay golpes, sino caricias. No hay gritos, sino apodos cariñosos. Es una radiografía de cómo están constituidas las sociedades y lasrelaciones de matrimonio en una clase media que quiere sobresalir y pelea por su supuesto bienestar.

El temor al rechazo, la falta de autoestima y la normalización de la violencia, hacen de Casa de muñecas un texto imprescindible para entender la condición de miles de mujeres que continúan sufriendo abusos en las relaciones depareja, también un llamado de atención a reflexionar sobre los hábitos generacionales que aun conservamos y no deberían tener cabida en el siglo XXI.

Casa de muñecas se presentará en el Teatro Helénico hasta el próximo 17 de diciembre de 2017 y del 05 de enero de 2018 al 04 de febrero de 2018, los viernes a las 20:30 horas, sábados a las 17:00 y 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas. Los boletos tienen un precio de $400, $350 y $250, las localidades se pueden adquirir en el sistema Ticketmaster y en la taquilla del Centro Cultural Helénico ubicado en avenida Revolución 1500, colonia Guadalupe Inn, delegación Álvaro Obregón, en la CDMX.

Macbeth: Un noble guerrero es conducido, a través de artes oscuras, por un laberinto de ambición y muerte que lo llevará a la locura.

* Se estará presentando hasta el próximo 21 de enero de 2018 en el Teatro Milán.

La casa productora Tercera Llamada, quien es responsable de montajes como Romeo y Julieta, Feroces, La Hora Radio Roma, Pasión, entre otros, traerá a partir de mañana, la puesta en escena Macbeth de William Shakespeare, obra que contará con las actuaciones estelares de Lisa Owen y Juan Manuel Bernal.

La tragedia de William Shakespeare, que se cree fue representada por vez primera en el año 1606, dramatiza los dañinos efectos, físicos y psicológicos de la ambición política, en aquellos que buscan el poder por sí mismo.

El clásico del autor inglés será protagonizado en esta ocasión por la actriz Lisa Owen, que entre sus últimos proyectos estelarizó La Guerra en la Niebla y La anarquista y el actor Juan Manuel Bernal, quien celebrará los 30 años de su carrera en el papel de Macbeth.

El montaje contará con la dirección de Mauricio García Lozano, quien una vez más toma un texto del dramaturgo inglés -después de presentar Romeo y Julieta, Medida por medida y Ricardo III– para adaptarlo al teatro bajo un lenguaje escénico particular, que hasta ahora se ha caracterizado por ser atrevido e innovador.

La puesta en escena Macbeth cuya traducción corre a cargo de Alfredo Michel Modenessi, presenta con el diseño de escenografía de Adrián Martínez Frausto, el vestuario de Mario Marín del Río, iluminación de Víctor Zapatero, y un equipo de producción integrado por Ana Bracho, Paula Sánchez Navarro y Gonzalo Ruíz Velasco. El elenco lo completan Julian Segura, Diego Jáuregui, Hamlet Ramírez, Miguel Santa Rita Sandoval, Raúl Villegas, Assira Abbate y Paula Watson, se estará presentando los viernes a las 20:45 horas, sábados a las 17:30 y 20:00 horas, domingos a las 18:00 horas en el Teatro Milán, el cual se encuentra ubicado en la Calle Lucerna No. 64, Delegación Cuauhtémoc, Colonia Juárez, con una temporada hasta el próximo 21 de enero de 2018. Tiene un costo de Preferente $450, Mezzanine $350. Adolescentes y adultos,  a partir de 15 años.

Fiberté o vientos de tiza

A la tierra blanca que, preparada en barras, se usa para escribir en los pizarrones, es decir la tiza, palabra que viene del náhuatl tizatl, que precisamente significa tierra blanca, es como Tomihuatzi Xelhuantzi titula la obra Fiberté, (sinónimo de libertad) o vientos de tiza a este espectáculo con bases en el clown, dónde la primicia es el escuchar historias que sucedieron o que se escucharon dentro de una prisión y que se van usando elementos que se pintan precisamente con la tiza en las paredes de esa celda. Esta obra escrita y dirigida por Tomihuatzi Xelhuantzi se presenta los viernes a las 20:00 hrs., hasta el 8 de diciembre en el Foro Contigo América.

Fiberté o vientos de tiza, inicia con la introducción de una dama cantando para después comenzar a escuchar las historias de Don Trucurucho, quien fuera el amigo del preso que nos cuenta su historia y de cómo se fugó de la cárcel. Donde continuamente, nos cuestiona sobre todo lo significativo de la vida, y nos hace reflexionar sobre lo verdaderamente importante de la misma, y el revelarnos ante lo establecido y los estereotipos que socialmente nos han inculcado y que creemos como normales, cuando de verdad no tienen una lógica ni son benéficas para nosotros como individuos.

El encargado de contarnos estas historias es el actor y clown Tomihuatzi Xelhuantzi quien da una muestra de su gran destreza en el arte del clown, de la improvisación y de la comedia, pues es de destacar, la facilidad con la que introduce elementos externos a su historia, haciendo participes a los espectadores y así como el ambiente que los rodea. Además de transformarse, pues ejecuta principalmente dos personajes, uno como actor trabajando a partir de si mismo, y otro como el clown que adquiere su representatividad con el uso característico de la nariz roja. También participa Gioconda Garrido interpretando algunos números musicales dentro y fuera de la escena, contrastando su sensualidad con la sencillez del otro personaje del preso.

Este espectáculo no se presenta en el foro que comúnmente conocemos dentro del Foro Contigo América, sino en un espacio más pequeño, tipo cámara negra que se encuentra en la parte de arriba y en el fondo del inmueble, donde las mismas paredes adquieren la ambientación de una celda, donde en su interior solo vemos una litera y un lavabo, entre esas paredes negras y llenas de algunos dibujos característicos que nos emiten obras literarias como El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra y el Principito de Antoine de Saint-Exupery. El vestuario es el típico uniforme a rayas en blanco y negro. Los efectos de sonido a cargo tanto de la cantante Gioconda Garrido, el mismo sonido ambiental y los efectos realizados por Tomihuatzi. Los elementos de utilería son un pocillo, algunos alimentos como huevos, plátano, etc., una cuerda, periódico y artículos de magia.

Fiberté o vientos de tiza nos cautiva cual niños que todos llevamos dentro, a través de este viaje emocional en busca de un mejor sentido de la vida, donde el concepto prisión y libertad adquiere dimensiones diferentes a las literales, pues a fin de cuentas, la libertad es algo subjetivo, ya que en muchas ocasiones más que una privación de libertad física, la vivimos a nivel mental,  pues la cárcel más pequeña, pero al mismo tiempo más infinita es nuestra propia mente, y como ser humanos que somos, si somos capaces de saber el tamaño de nuestra celda, entonces sabremos el tamaño de nuestra libertad.

Foro Contigo América

Arizona #156, Col. Nápoles.

Viernes 20:00 hrs.

Hasta el 8 de diciembre de 2017

Dirección y dramaturgia: Tomihuatzi Xelhuantzi

Elenco: Tomihuatzi Xelhuantzi y Gioconda Garrido