Isabel de Portugal, crónica de una agonía

“El gran maestro Rodolfo Usigli dijo en alguna ocasión que la Historia era tan ficticia como el teatro. Isabel de Portugal: Crónica de una agonía es una respuesta a esa provocación. Isabel y las mujeres de su familia no fueron locas, ni cuerdas, ni víctimas, ni victimarias, ni enteramente frívolas; fueron humanas.”

Es la noche del 22 de julio de 1454 y mientras el Sol cambia de casa entre las constelaciones de cáncer y leo, el trono de Castilla y la casa real de Trastámara transitan entre el agonizante Juan II y su hijo Enrique IV. En la corte, Isabel de Portugal (segunda esposa de Juan) la reina consorte, es decir, únicamente reina por matrimonio, ve como se tambalea su futuro y el de sus pequeños hijos Alfonso e Isabel ante el inminente asenso de su hijastro. En una sola noche la presencia de Isabel en la corte de Castilla se ha vuelto prescindible y hasta incómoda. La única compañía que tiene es la de su madre Isabela de Barcelos y la de su hermana Beatriz de Braganza, que lejos de ser un apoyo incrementan su angustia con la preocupación asfixiante de la primera y la insaciable sed de poder de la segunda. La única amiga con la que cuenta, Blanca de Navarra esposa de Enrique, debe partir para ocupar el lugar que tuvo Isabel como la nueva reina de Castilla.

Por si fuera poco, Isabel también debe lidiar con la culpa de haber maquinado las intrigas que llevaron al condestable Álvaro de Luna a su ejecución, pues más allá de ser únicamente el valido del rey, era quien tenía en realidad el amor de Juan II dejando a Isabel siendo poco más que otro adorno de su corona. Beatriz, celosa siempre del favoritismo de sus padres, estará ahí para torturar a su hermana con el fantasma de Juana Pimentel quien fuera la esposa de Álvaro; la reina sólo quería sentirse amada por su esposo. Entre conspiraciones políticas y rencillas familiares Isabel se prepara para asumir el lugar que la Historia tiene escrito para ella, su resarcimiento llegará con su hija Isabel I de Castilla, también conocida como La Católica y cuyo nombre y poder llegarán hasta el Nuevo Mundo.

Cuatro actrices encarnan a estas mujeres de la corte castellana. Alejandra Ricardez como Isabel de Portugal, la reina atormentada por la homosexualidad de su esposo y para quien la cuna noble parece haber sido más bien una maldición. Estefanía Cortina como Beatriz de Braganza, una mujer decidida y fuerte que estará dispuesta a todo con tal de hacerse con el poder aun si tuviera que pasar sobre su propia hermana. Raquel Mendoza como Isabela de Barcelos la reina madre de Portugal,  mujer de ideas aún medievales que indudablemente ama a sus hijas pero que le es imposible entenderlas; y su contraparte, Paulina Olvera y Ximena Sordo (alternando funciones) como Blanca de Navarra, una mujer adelantada para su época, amante de los libros y por ello señalada como bruja. Las cinco actrices encarnan magistralmente a estos personajes variopintos cuyas ideas, sueños y aspiraciones reflejan el convulsivo tránsito ideológico entre la Edad Media y el Renacimiento.

Este texto de Ismael Álvarez Medina construye un puente entre 1454 y 2018 para decirnos que más de cinco siglos y medio no han sido suficientes para que el género humano transforme el cúmulo de características permanentes e invariables que lo determinan independientemente del tiempo en el que se viva. El objetivo del discurso no es meramente histórico, sino que este pasaje de la historia ha sido escogido como un ilustrativo pretexto para presentarnos a cuatro mujeres que, si bien tuvieron una existencia documentada, no son muy diferentes a tantas madres, hijas, hermanas y amigas de cualquier contexto espacio-temporal imaginario o real. Probablemente esta sea la razón de que el vestuario marcado por la dirección consista en camisones y batines de dormir contemporáneos, pues fungen como el elemento visual que enlaza una noche del siglo XV con una de la actualidad. Cabe destacar que el lenguaje empleado en esta dramaturgia es exquisito, lleno de fraseologías y metáforas dignas de una pieza teatral del Renacimiento evocado.

Isabel de Portugal: Crónica de una agonía estará presentándose todos los jueves de febrero en el íntimo espacio de La Sala Novo del Teatro la Capilla.

Dramaturgia y dirección: Ismael Álvarez Medina | Elenco: Alejandra Ricardez, Estefanía Cortina, Paulina Olvera, Raquel Mendoza y Ximena Sordo McDaniel | Funciones: Jueves de febrero | Boletos: $200 entrada general.

Teatro La Capilla: Calle Madrid #13, col. Del Carmen, Coyoacán, Ciudad de México.

De coraza

Conchi León, a partir del proceso que llevó a cabo con reclusas del Centro de Reinserción Social de Mérida, escribe De coraza. Un texto que parte del teatro documental y que cuenta con una estructura que expone cuatro personajes. Da la impresión de que lo más relevante es compartir el testimonio, para ello la narración como la principal herramienta, saca provecho de las posibilidades del relato, sin embargo da la impresión de que no alcanza para ir más allá de la línea anecdótica, pero en tanto que es la resultante de un proceso tan concreto bastan los resultados escénicos.

Quizá amerita la reflexión sobre qué tanto debería crecer el proyecto en tanto su transición, en tanto su motor de creación de límites y alcance, que son determinados por la naturaleza que lo cobija;  pero cuando se muestra como la creación de una compañía de teatro otros son los parámetros para su valoración.
La decisión de León en la faceta de dirección lleva a que las actrices sean un vehículo testimonial, si bien los personajes tienen matices, el relato verbal es el eje primordial de la puesta en escena, eso disminuye el campo donde las actrices puedan generar profundidad en los personajes. La labor de ellas es limpia, los personajes están definidos con claridad en tanto a la construcción corporal como vocal, hay construcción emotiva acorde al suceso compartido.

Las actrices Addy Teyer, Ilse Morfin, Susi Estrada, Susan Tax trabajan como un colectivo bien integrado, hay balance en la escena en tanto los cambios de foco por los cuales pasan.
De coraza es una oportunidad para ver el trabajo teatral de un grupo que radica en Yucatán, y así apreciar una de las posibilidades que se dan a partir del trabajo testimonial.

Teatro La Capilla | Del 3 al 25 de febrero | Sábado 19:00 hrs. Domingo 18:00 hrs. | Compañía: Saas Tun / Oswaldo Ferrer | Escrita y dirigida por Conchi León | Elenco: Addy Teyer, Ilse Morfin, Susi Estrada, Susan Tax, Conchi León* y Oswaldo Ferrer | Duración: 75 min. |

Vuelo Transoceánico

Eugen Berthold (Bertolt) Friedrich Brecht fue un dramaturgo y poeta alemán influyente del siglo XX y considerado el creador del teatro épico o dialéctico, quien escribió Der Ozeanflug (El vuelo sobre el océano) concebida como una obra radiofónica que tuvo una primera versión llamada Der Lindberghflug (El vuelo de Lindbergh) inpsirado por relato de Charles Lindbergh y su vuelo transatlántico de 1927, escrita para el Festival de música de Baden-Baden y que fue estrenada en 1929 con música de Kurt Weill y Paul Hindemith en una retransmisión por la Orquesta de la Radio del suroeste de Alemania; para 1930 la obra fue ampliada y titulada “Der Flug der Lindbergh”, pero en 1950 el propio Brecht hizo una nueva versión añadiéndole un prefacio en donde denunciaba las contribuciones de Lindbergh a la tecnología del bombardeo del terror así como su anti-intervencionismo en época de guerra y supuestas simpatías nazis. Esta obra ahora es presentada por la compañía Sur Oeste Arte Escénico con el nombre de “Vuelo Transoceánico” bajo la dirección de Hugo Martínez Bolaños y se presenta los jueves y viernes a las 20:00 hrs., los sábados 19:00 hrs. y domingos 18:00 hrs. hasta el 18 de febrero en el Foro António López Mancera dentro del Centro Nacional de las Artes.

Vuelo Transoceánico narra la proeza realizada por Charles Augustus Lindberg, aunque su nombre no importa, piloto e ingeniero estadounidense, que en 1927 cruzó el océano Atlántico, de oeste a este, uniendo así el continente americano y el continente europeo en un vuelo sin escalas y en solitario, enlazando así la ciudad de Nueva York y la ciudad de París, siendo un viaje de mas de 6,000 km de distancia. Durante la obra vemos todos los acontecimientos naturales y físicos que tuvo que enfrentar, así como la expectativa generada por la sociedad y los medios de comunicación, todo esto acompañado por números musicales que terminan por dar una dinámica ágil y entretenida.

El elenco esta conformado por César Alamillo quien interpreta a Charles Lindberg, Hugo Martínez Bolaños, Stephanie García, Alberto Mora, Lorena López Aguado y Fernanda Salas, que en conjunto realizan un gran trabajo, adoptando diferentes personajes, narrando la historia verbal y física, para sorprender con la agilidad, energía y sinergia de sus representaciones. Todos están perfectamente equilibrados y transmiten una fusión y compenetración que pocas veces se puede distinguir en una obra de teatro. Sin lugar a duda, es un excelente trabajo el que realiza cada uno de los actores y actrices que participan en esta propuesta teatral.

En escena vemos una estructura compuesta de tubos que fungen como torre de control, de avión, edificaciones, etc., adquiriendo un juego importante durante la obra, que además visualmente es funcional y llamativa.  El vestuario de Al Mendoza y Santa Elisa, inspirada en los años veintes y siendo especifico en el atuendo clásico del aviador de esa época, nos trasporta al contexto y a la época asertivamente. La utilería también adquiere una carga lúdica al presentarnos maquetas de la Torre Eifel, la Torre del Big Ben y la Estatua de la libertad, así como aviones de papel, micrófonos, etc. La musicalización también adquiere gran importancia pues además de acompañar los momentos escénicos, los números coreográficos, responsabilidad de Stephanie García, hacen que formen parte de la ficción que propone este proyecto. Por último, la iluminación permite resaltar los cuadros escénicos y así acompañar los momentos propuestos por el director.

Vuelo Transoceánico es una comedia que mantiene la atención del espectador todo el tiempo y que adquiere matices oníricos al presentar en forma humana a elementos como la tempestad, la niebla, el hielo y el sueño, factores que fueron determinantes en este viaje emprendido por Charles Lindberg, aunque su nombre no importa. Indiscutiblemente es una obra que se tiene que ver y presentar en más espacios, pues además la entrada es libre, así que, no pierdas la oportunidad de disfrutar esta propuesta escénica que combina las excelentes actuaciones con el buen desarrollo de número coreográficos, cargado de simbolismo, magia y fantasía.

 

SurOesteArteEscénico

Foro António López Mancera – Centro Nacional de las Artes

Av. Río Churubusco 79, Country Club Churubusco

Martes 20:00 hrs.

Hasta el 18 de febrero de 2018

Dirección: Hugo Martínez Bolaños

Autor: A partir de la obra radiofónica de Bertolt Brecht

Elenco: César Alamillo, Stephanie García, Lorena López Aguado, Hugo Martínez Bolaños, Alberto Mora y Fernanda Salas.

Voraz

Comúnmente llamamos a lo que destruye o consume algo rápidamente, como voraz, y es así como David Orci, titula a su obra. Una invitación a las múltiples interpretaciones, pero quizá la más fuerte, es la voracidad que la sociedad tiene en el consumismo y en la necesidad de que todo sea ágil, rápido, dinámico, etc. Es así como bajo la dirección de Ricardo Enríquez y la codirección de Emma Solórzano, se presenta “Voraz” en el Teatro La Capilla, los miércoles a las 20:00 hrs, hasta el 25 de abril; donde la interacción entre los actores y la confrontación directa hacia el público, hace que esta obra sea una opción de entretenimiento y reflexión que no se puede dejar de ver.

Voraz, es una obra donde vemos a dos personajes junto con una tercera, la cual musicaliza la obra; ellos exponen cómo un ser se encuentra atrapado o enjaulado, y dentro de esta dinámica confrontan directa y hasta agresivamente al público, dónde percibimos una metáfora del humano como ave, que pierde su libertad y se encuentra encarcelada, por el simple hecho de desear ser libre, distinta y singular, un lugar en el cual estas características: la diferencia o la rareza, son sinónimo de malo, motivo por el cual los demás se ven amenazados y asustados, por lo mismo se busca que lo diferente termine fusionándose y amalgamándose a lo que se considera normal y permisible.

Los actores encargados de realizar este ejercicio teatral son David Orci, como el ente que está en contra de la diferencia y que intenta controlar y manipular al personaje que realiza Ignacio Pereda, quien realiza el personaje que es diferente, distinto y que se encuentra atrapado y sufre la adversidad para que pierda su singularidad y así se convierta en lo políticamente correcto y aceptable. Además, está Ana Florencia Pérez de Alba que, como elemento escénico, acompaña a los ejecutantes a través de la musicalización. En conjunto realizan un trabajo cargado de energía y de destreza, pues es un trabajo que requiere un trabajo físico al hacer uso de las telas y del cubo donde continuamente están subiendo y bajando, delimitando así su espacio escénico. Cabe señalar que Alberto Garmassi de igual forma alterna funciones.

La escenografía, diseñada por Antonio Santos y Jesús Ochoa, está constituida por un cubo de metal de gran tamaño que delimita el espacio escénico, el cual cuenta con telas blancas en cada esquina del cubo, que adquiere un significado de jaula, donde la sociedad margina a los seres que se presentan como diferentes, cada barrote representa la intolerancia, la incomprensión, el odio y el crimen. El vestuario nada realista, donde predomina el tono blanco o gris claro, resalta e impacta a la vista tras el fondo negro del mismo espacio escénico, creación de Mauro Babún. La musicalización de Ana Florencia, que se distingue por el uso del violín, va enfatizando circunstancias y determina reacciones de los actores. La iluminación, por último, adquiere un juego lúdico, que permite crear diferentes atmosferas y dar jerarquía de espacios y elementos escénicos.

Voraz, como bien lo expone Sergio Galindo, es una obra que encara de frente al espectador, pues lo interroga y lo acosa, bajo un argumento cargado de impotencia, humor, ironía, hartazgo e incomprensión del humano hacia el mismo humano, pues ante lo que a nivel mundial se vive, parece un panorama nada alentador para el futuro. Es necesario que las personas reaccionemos y nos cuestionemos sobre lo que estamos aportando, y sobre todo, qué tanto estamos permitiendo que la sociedad nos esté moldeando para pertenecer y formar parte de lo que es considerado como normal, y por lo cual perdemos nuestra individualidad, para acabar en un amalgamiento funcional y mimetizado, si preguntamos ¿Quién soy? la respuesta tristemente será: Soy el que quieren que sea.

Teatro La Capilla

Madrid No. 13.  Col. Del Carmen. Coyoacán.

Miércoles a las 20:00 hrs.

Hasta el 25 de abril de 2018

Dirección:  Ricardo Enríquez

Codirección: Emma Solórzano

Autor: David Orci

Elenco: David Orci, Ignacio Pereda y Alberto Garmassi

Musicalización: Ana Florencia Pérez de Alba  

Psicomanía

Todos en algún momento de la vida sufrimos de cierto suceso que nos desequilibra sicológicamente y en ocasiones, si no contamos con las habilidades para sortear esta situación, podemos caer en un trastorno mental que se sintomatiza con una elevación anómala del estado anímico, es decir una manía, que de igual forma puede consistir en un comportamiento raro o preocupación injustificada. Bajo este tema el veracruzano Alan Blasco escribe y dirige la obra “Psicomanía”, qué nos cuestiona sobre ¿Cuándo debemos de romper con nuestro pasado para vivir y avanzar en el presente? Esta obra se presenta los martes a las 20:00 hrs., hasta el 13 de marzo en la Sala Novo del Teatro La Capilla.

Psicomanía” trata de tres desconocidos que se encuentran en el consultorio de su siquiatra, que por algún motivo no se encuentra para darles su respectiva terapia, por lo que entre ellos mismos tendrán que ir decidiendo quién liderará la terapia grupal y así poder desarrollarla, entre confrontaciones y desacreditaciones, van avanzando durante la terapia, donde tocan temas como la sexualidad, el amor y la historia de cada uno, a través de diferentes estrategias terapéuticas, se irán ayudando, siempre bajo la misma pregunta “ Y con eso… ¿Cómo te sientes?”.

Los encargados de interpretar a estos desequilibrados personajes son César Azanza como Andrea, Daniel Chávez Camacho como el Padre Checo y Sofía Sojo como Martha. Los tres presentan diferentes problemas sicológicos, que se van develando, poco a poco se tendrán que ir resolviendo sus miedos, inseguridades, traumas, manías y trastornos, donde cada uno tiene un perfil especifico;  lo anterior ayuda a que en algún momento el público se identifique o sea empático al sufrimiento o problema planteado. Aunque es un trabajo que utiliza el gag para causar la risa, en general la historia y las actuaciones están cargadas de un tinte cómico.

Escénicamente vemos solo tres sillas, una alfombra y dos lamparas en los extremos, lo cual nos remite a un cuarto o sala de espera de un consultorio siquiátrico. El vestuario es realista contemporáneo, el cual sirve para dibujar la propuesta de carácter del personaje, esto aunado a la utilería como mochilas, bolsos, hojas de papel, cuerdas, un rosario, un melón, botella de vodka, etc., que son utilizados para ir desarrollando las diferentes técnicas sicológicas que proponen entre los participantes. La musicalización por parte de Iván Mondragón y la iluminación por parte de Arturo Vega, terminan por recrear los contextos y los cambios anímicos por los que pasa la obra, enfatizando cuando los personajes hablan de experiencias que buscan la emotividad.

Psicomanía es una obra que aborda los fetiches, filias, traumas, apegos, psicosis y adicciones de los personajes, que los vuelven totalmente humanos y que nos refleja, que todos en algún momento, hemos pasado por una situación similar y que por lo mismo, no estamos solos, sino que podemos contar con otras personas para superarlo y que siempre queda el consuelo, de que siempre habrá gente peor que uno, pues a fin de cuentas, la vida se trata de circunstancias que en ocasiones juegan a nuestro favor y otras en contra, de eso se trata la vida y hay que aprender a sortear estos eventos y siempre buscar nuestra estabilidad sin importar lo que los demás puedan decir de nosotros.

Sala Novo del Teatro La Capilla

Madrid No. 13.  Col. Del Carmen. Coyoacán.

Martes 20:00 hrs.

Hasta el 13 de marzo de 2018

Autor y dirección: Alan Blasco   

Elenco: César Azanza, Daniel Chávez Camacho y Sofía Sojo.

Top 5 Teatral para la Semana del Amor

Para algunos es la mejor fecha del año; para otros, la peor. Sin duda el 14 de febrero no pasa desapercibido. Aquí te dejamos las mejores recomendaciones para el Día del Amor y la Amistad, o para cualquier fecha en la que quieras compartir con tu otra mitad una noche de buen teatro en la Ciudad de México.

5. Los Últimos 5 Años

En este musical de Jason Robert Brown escuchamos la historia de Jamie y Cathy, a través del principio y el final de su relación, o primero vemos el final y luego el principio.
Vamos y venimos entre canciones que van hacia adelante y hacia atrás mientras descubrimos cuándo terminó su amor, y de paso, nos acordamos de nuestras propias historias.

Dramaturgia: Jason Robert Brown
Dirección: José Sampedro
Elenco: Ana Cecilia Anzaldúa y Diego Medel

Teatro Julio Prieto
Av. Xola 809, Col. Del Valle, Benito Juárez
Martes 20:30 horas

 

4. Rotterdam

¿Quién soy realmente? ¿Cuándo nos enamoramos, es de la persona o de su género? ¿Qué haces cuando la mujer de tu vida resulta ser el hombre de tu vida? Rotterdam es una comedia agridulce del dramaturgo inglés, Jon Brittain sobre el género, la sexualidad y el estar lejos de casa.

Dramaturgia: Jon Brittain Traducción: Roberto Cavazos
Dirección: Roberto Cavazos
Elenco: Amaya Blas, Lorena del Castillo, Arlet Gamino y Diego Cooper

Foro Shakespeare
Zamora 7, Col. Condesa, Cuauhtémoc
Viernes 20:30 horas

 

3. Wenses y Lala

Una historia sobre una pareja que se ama y se complementa. Wenses, un hombre valiente, de fuertes convicciones, tímido y muy callado. Él es la fortaleza de Lala y Lala la de él. Ella, una maravillosa mujer, vivaz, alegre, entregada, con ese ímpetu por la vida que enamora por siempre a Wenses. Ella es su contacto con el mundo. Juntos aprendieron todo de la vida. Juntos en todas las adversidades. Optimistas hasta el final.

Dramaturgia: Adrián Vázquez
Dirección: Adrián Vázquez
Elenco: Adrián Vázquez y Teté Espinoza

Teatro Enrique Lizalde
Eleuterio Méndez 11, Col. San Mateo, Coyoacán
Miércoles 20:30 horas

 

2. Panda Malo

Todo debe ir como la naturaleza indica, pero el panda macho se enamorará de un cocodrilo. Tres animales muy distintos, deberán intentar coexistir.

Dramaturgia: Megan Gogerty
Dirección: Miguel Santa Rita
Elenco: Pablo Perroni, Paola Arrioja y José Ramón Berganza

Foro Lucerna
Lucerna 64, Col. Juárez, Cuauhtémoc
Lunes 20:30 horas

 

1. El Amor de las Luciérnagas

El clásico de Alejandro Ricaño regresa una vez más a la ciudad para celebrar el amor y sobre todo la amistad a prueba de todo. María viaja a Noruega luego de una decepción amorosa. Allí compra una máquina de escribir en un mercado de pulgas y escribe sobre un encuentro con una doble suya, a la cual le pide que se haga cargo de su vida.

A la mañana siguiente se encuentra con un duplicado de sí misma, asustada huye de regreso a México, pero al llegar descubre que su otra yo ha empezado a adueñarse de su vida. María tendrá que empezar entonces una travesía en busca, literalmente, de sí misma.

Dramaturgia: Alejandro Ricaño
Dirección: Alejandro Ricaño
Elenco: Adriana Montes de Oca, Sara Pinet, Sofía Sylwin*, Assira Abbate*, Ximena Sastrias*, Pablo Marín*, Álvaro Zúñiga*, Luis Eduardo Yee y Ricardo Rodríguez. *Alternando funciones

Teatro Julio Prieto
Av. Xola 809, Col. Del Valle, Benito Juárez
Lunes 20:30 horas

Las Golondrinas

Cansadas del asilo en el que viven, pareciera que siempre ha sido de esta manera, cuatro ancianas creen que ya fue suficiente encierro y deciden escapar del precario cuidado de sus cuestionables enfermeras.

Foto: Alma Sánchez

Con el pretexto de alistar su escape, Lucía, Bertha, Chabela y Laura, nos cuentan cómo eran sus vidas dedicadas al arte, la cultura, el deporte y la familia, nos recuerdan las canciones con las que se enamoraron y sus sueños para el futuro. Así es como ‘Las Golondrinas’, escrita y dirigida por Yolanda Sanz, se presenta todos los sábados en el Foro Cultural Bellescene, con funciones a las 19:00 y 21:00 horas.

Nunca se es demasiado viejo para vivir una aventura

Foto: Alma Sánchez

Francisco Granados, Fabián Varona, Fernando Parrat y Jesús Miyar, dan vida a estas cuatro alegres mujeres de la tercera edad, que aprovechan cada centímetro que el foro les otorga para exponer el deterioro físico que una vida completa cobra a cada ser humano.

El texto de Sanz fluye cargado de gracia, le brinda a cada interludio musical un golpe de vida, sin embargo hacia el final parece chocar consigo mismo sin encontrar la salida hasta que es demasiado tarde.

Entre clásicos del cancionero mexicano, ‘Las Golondrinas’ nos invita a reflexionar sobre la vejez y como es que la enfrentamos. Por un lado, nuestra sociedad tiende a olvidar que existen y nuestros ancianos lamentablemente quedan a su suerte; por otro, cantar a la menor provocación y la eterna creencia de que todo saldrá bien, son suficientes razones para emocionarnos por nuestro posible futuro.

Las Golondrinas. Foto: Alma Sánchez

 

Foro Cultural Bellescene

Zempoala 90, Col. Narvarte, Benito Juárez

Dramaturgia y dirección: Yolanda Sanz
Elenco: Francisco Granados, Fabián Varona, Fernando Parrat, Jesús Miyar

Del 10 de febrero al 10 de marzo
Sábados 19:00 y 21:00 horas
Boletos: blt.mx/3qx

Se llevará a cabo la 23º Entrega a lo mejor del teatro en Ciudad de México

La Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) llevará a cabo el próximo 6 de marzo la 23º entrega de los premios a lo mejor del teatro en CDMX, dicho evento se realizará en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris dentro del marco de los cien años del recinto.

En conferencia de prensa la mesa directiva de la ACPT dio a conocer los lineamientos y esquemas por los cuales las obras fueron nominadas, así mismo agradecieron el apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México por el apoyo brindado para realizar la celebración en el Teatro la Ciudad, así como a Gustavo Suárez Ojeda miembro fundador de dicha agrupación.

Así, Gustavo Gerardo Suárez presidente de la ACPT presentó a los críticos que dieron su voto para las nominaciones de este año, los cuales son: Enrique Saavedra de “TimeOut México”, Iván Pasillas del podcast “El aquelarre”, Carmen Zavaleta de “Menú teatral”, Mariana Mijares de “Tiempo libre”, Jaíme Rosales del portal “En Escena”, Roberto Sosa López de “Cartelera de Teatro” y los fotógrafos Pili Pla y Alfredo Millán.

Cabe señalar, que el director y dramaturgo Ro Banda junto a Melba Vidal artista plástica y miembro de ACPT, Gustavo Gerardo Suárez y Enrique Saavedra fueron los encargados de los nuevos lineamientos de la premiación.

Entre los esquemas que se tomaron a consideración para las obras nominadas,  están aquellas que fueran estrenadas entre enero del 2017 a diciembre del 2017 y que tuvieron al menos seis funciones con boleto pagado, en los remontajes se consideró que los nuevos elementos cubrieran el 80% de la obra, de igual forma, los miembros de la agrupación votaron en dos listas por semestre para obtener la lista final de nominados, asimismo, se recorto el número de categorías de 31 a 19 con la idea de fomentar la mejor calidad de las puestas.

En la presentación también se entregarán dos premios de trayectoria a la Sra. Lourdes Pérez Gay y al Sr. Jorge Ortíz de Pinedo, de igual forma se hará mención a los espacios independientes que sirvieron de acopio para el sismo del pasado 19 de septiembre y el teatro “La capilla” será reconocido por su 65 aniversario.

Entre los premios que se otorgaran están: Teatro para jóvenes audiencias, Revelación femenina, Revelación masculina, Dramaturgia, Actriz de soporte en una obra de teatro, Actor de soporte en una obra de teatro, Actor de soporte musical, Actriz de soporte musical, Diseño de escenografía, Diseño de iluminación, Diseño de vestuario, Música original/Diseño sonoro, Espectáculo de cabaret, Traducción, Director de escena (obra musical), Actriz principal en un musical, Actor principal en un musical, Actor principal en una obra de teatro, Actriz principal en una obra de teatro, Musical del año y Obra del año.

La vagina de los monólogos, una comedia sobre un pleito ancestral

“…Y como buenas mujeres no vamos a decirles claramente lo que queremos ¿verdad? ¡Si lo tenemos que pedir, ya no lo queremos!” Ahora los domingos son de risa loca en el Foro Bellescene con la puesta en escena La vagina de los monólogos, presentada por Telescopio Teatro.

Marlene y Pepe son un típico matrimonio. Ya no se soportan, discuten por todo y sus peleas cada vez se vuelven más prolongadas e intensas. Ella quiere que su marido la ayude en las tareas del hogar, que participe más en la educación de su hijo, que aporte más dinero a la casa, que deje de beber y que sea fiel, sumiso y (por si fuera poco) que mejore su desempeño sexual. Pepe sólo quiere un poco de libertad y que ella deje de criticar todo lo que él hace.

Cortesía de la producción – Foto: Sandy Moon

Este texto de Renato Gómez Herrera da foco a uno de los conflictos más viejos de la humanidad, uno que ha provocado guerras y movimientos sociales a lo largo de la historia y verdaderas batallas campales en los hogares; un pleito eterno como es la diferencia abismal que parece haber entre el hombre y la mujer prácticamente desde que Dios creó a Eva de la costilla de Adán ¿o habrá sido más bien a sus costillas? Con un inteligente título que refiere sutilmente a la famosa obra de Eve Ensler, Renato Gómez otorga la liberadora oportunidad de respuesta a los hombres, quienes tampoco estarán libres de pecado ante las exigencias y reclamos de la mujer.

Cortesía de la producción – Foto: Sandy Moon

La vagina de los monólogos es un texto hilarante que se vale de diversos recursos muy bien combinados como son la ironía, el sarcasmo y la sátira como un modo elegante de criticar y ridiculizar una pelea entre marido y mujer; y que ante lo absurdo de sus demandas, el público no puede hacer otra cosa más que reír, reír y reír, sobre todo cuando se llega a identificar en alguna de estas situaciones. Es entonces que la perspectiva y la magia del teatro cumplen su función reflejante para desahogarse en medio de la carcajada de complicidad que sólo se logra cuando nos reímos de nosotros mismos. Ahora pues, si bien se nos presenta un conflicto entre marido y mujer, la universalidad con la que se trata el tema puede llegar a generalizar el discurso hacia las complicaciones que llegan a surgir en el seno de cualquier relación de pareja.

Cortesía de la producción – Foto: Sandy Moon

Los actores que protagonizan esta puesta en escena son Aida Treviño y Baruch Su, quienes llevan el ritmo de la comedia con verdadera maestría; además la química entre ambos es fabulosa logrando transmitir las situaciones con mucha espontaneidad hasta el otro lado de la cuarta pared. El otro elemento clave de este trabajo es por supuesto la obra de Liz Martell, que ha combinado su habilidad como creadora de títeres y puppets con su trabajo de vestuarista para recrear los sugerentes aparatos reproductores de los personajes. La sola presencia arranca las carcajadas desde el inicio de la obra. Liz cuida admirablemente cada detalle en una verdadera clase de anatomía donde se cuenta con la presencia de un clítoris y un prepucio totalmente funcional.

La sola idea de que el hombre viene de Marte y la mujer de Venus pone sobre el tablero a estos dos contrincantes que necesitarán una buena estrategia para salirse con la suya, no sin antes darse cuenta de que el verdadero triunfo está en la forma de complementarse mutuamente. Entonces… ¿será que en serio existen diferencias irreconciliables entre ambos géneros? Descúbrelo a punta de carcajadas con esta puesta en escena en la que cualquier parecido con la realidad, seguro es puritita coincidencia.

Dramaturgia y dirección: Renato Gómez Herrera | Elenco: Aida Treviño y Baruch Su | Funciones: domingos 18:00 horas hasta el 11 de marzo | Boletos: $200.

Foro Bellescene: Zempoala 90, Narvarte Oriente, Ciudad de México, CDMX, México.

De amor y otras improvisaciones

Como técnica teatral, la improvisación consiste en construir y ejecutar una historia de forma simultanea ocupando los recursos disponibles así como la imaginación. La improvisación fue formalizada en Chicago entre los años 1950 y 1960 por la compañía “The Compass Players”, aunque se relaciona su origen en la Comedia del Arte Italiana (1500); en México, en los últimos años ha cobrado mayor fuerza, ejemplo de esto, es el proyecto abanderado por Manuel Calderón llamado “De amor y otras improvisaciones” que se presenta todos los domingos a las 17:00 y 19:00 hrs., en el Foro 37 Teatro Boutique, hasta el 25 de febrero.

De amor y otras improvisaciones, parte de la selección de dos ocupaciones, de un lugar y un motivo de truene, que antes de iniciar la función, es recolectada del público en la taquilla, así, los cuatro actores, eligen quienes serán los que tendrán la carga protagónica de contar la historia a través de disparejo, piedra, papel y tijeras. Teniendo claro estos elementos, comienzan a contar la historia que va desde el planteamiento de la niñez de cada personaje y el por qué de la decisión de sus ocupaciones, el encuentro de la pareja, su relación amorosa y en determinado tiempo, bajo consenso del público, la relación continuará o tendrá una ruptura como fin de la historia.

Los encargados de realizar la difícil tarea de la improvisación son: Manuel Calderón, Christian Diez, Martha Elena de la Torre y Gabriela Montiel; además de Patricia Soto alternando funciones. Cabe destacar que representa todo un reto el realizar la técnica de la improvisación para que no pierda coherencia y ritmo; además se necesita una gran destreza y agilidad mental, en consecuencia actoral, para que tenga buen resultado, por lo que, por momentos, la narrativa de la historia es enriquecida por las intervenciones secundarias de los otros actores (Martha Elena de la Torre y Christian Diez) quienes logran que la comicidad de la propuesta se mantenga.

Escenográficamente vemos 4 sillas, que se utilizan como recurso lúdico de la historia, además de un vaso de refresco, un empaque de chocolate y un recipiente de palomitas, que es de donde se sacan los papeles que definen las ocupaciones, el lugar y el motivo de truene. El vestuario es realista contemporáneo, se caracteriza por ser el mismo para mujeres y el mismo para hombres. Los efectos de sonido y musicalización de David Almaga, son importantes pues son los que van delimitando el tiempo de la improvisación, así como la iluminación, que terminan siendo instrumentos delimitantes más que constructores de atmósferas.

De amor y otras improvisaciones es una propuesta única e irrepetible, pues es generada y creada al instante y que representa el encanto de la improvisación, pues como espectadores, sabemos que jamás volveremos a ver la historia que presenciaremos y que resultará un riesgo para sus carreras, como ellos mismos lo delimitan. Cabe destacar la originalidad de presentar a un musico que no aparece en escena, pero que tienen un lugar reservado. En general es un proyecto que restrena gracias al éxito obtenido y que entretiene por las originales ocurrencias de los participantes, en esta ocasión el desnudo integral por parte de Christian Diez.

Foro 37 Teatro Boutique

Londres No. 37.  Col. Juárez, Del. Cuauhtémoc

Domingo 17:00 Y 19:00 hrs.

Hasta el 25 de febrero de 2018

Dirección: Manuel Calderón

Elenco: Manuel Calderón, Christian Diez, Martha Elena de la Torre, Gabriela Montiel y Patricia Soto